BOAS FESTAS

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ROCOCÓ

A arte desenvolvida dentro do estilo rococó pode ser caracterizada como requintada, convencional e aristocrática. Essa arte se preocupava em expressar somente sentimentos agradáveis e que procurou dominar a técnica perfeita.

O rococó é um estilo que se desenvolveu principalmente no sul da Alemanha, Austria e França, entre 1730 e 1780, caracterizado pelo excesso de curvas caprichosas e pela profusão de elementos decorativos como conchas, laços, flôres e folhagens, que buscavam uma elegância requintada.

O nome vem do francês rocaille (concha, cascalho), um dos elementos decorativos mais característicos desse estilo.
O rococó teve origem no século XVIII, na França, logo depois se difundiu por toda a Europa. Mais leve e intimista que o barroco. Considerado um final da fase barroca.

O amor e o romance eram considerados assuntos mais importantes que assuntos históricos e religiosos. O estilo foi caracterizado por um movimento livre, gracioso e muitas linhas; cores delicadas.

No Brasil, foi introduzido pelo colonizador português e sua manifestação se deu principalmente no mobiliário, conhecido por “estilo Dom João V”.

A arte Rococó refletia valores de uma sociedade fútil que buscava nas obras de artes algo que lhes desse prazer e as levassem a esquecer seus problemas reais.

NEOCLASSICISMO

O que é o neoclassicismo?Trata-se de um movimento artístico internacional que surge na segunda metade do séc. XVIII e culmina no período Napoleónico (estilo Império), exercendo posteriormente uma influência decrescente, embora marcando, ao longo do séc. XIX, o estilo oficial de vários países, particularmente a América do Norte (Greek revival).O neoclassicismo surgiu como reacção à artificialidade do rococó e impôs como prática a simplicidade, nas linhas, formas, cores e temas, bem como o aprofundamento de ideias e sentimentos. Inspirou-se nas formas primitivas da arte clássica: o puro contorno linear, a abolição do claro-escuro. Para os escultores neoclássicos, a essência da pureza residia no mármore branco da estatuária grega. No neoclassicismo, o espírito científico, racional e didáctico dos enciclopedistas do Século das Luzes associou-se ao mítico retorno à Natureza propagado por Rousseau. Para os artistas neoclássicos os conceitos de racionalismo e sensibilidade não eram opostos. A compaixão é própria das pessoas virtuosas e a temática neoclássica pretendia exaltar a virtude. Mas tal como a teoria mítica do bom selvagem provou ser utópica, também o foi um estilo que viu na Arte Clássica e nos heróis de Plutarco os modelos de perfeição a reinstalar no mundo.A teoria estética do neoclassicismo foi desenvolvida por Johann Joachim Winckelmann (1717-1768), em 1764, na sua História da Arte da Antiguidade, e teve Roma como centro de divulgação.Para o conhecimento da estatuária antiga contribuíram grandemente as escavações de Herculano, empreendidas em 1748 por Carlos III de Bourbon, Rei de Nápoles. Os resultados foram divulgados entre os amadores por Charles-Nicolas Cochin (1751) e pelo Conde de Caylus (1752), e mais tarde publicados em oito magníficos volumes da Antichità di Ercolano e spaste (1757-1792).

site:
http://pms2004.no.sapo.pt/arquitectura.htm

Jean-Jacques Rousseau

Seguem-se dois links para lugares dedicados a esta personagem:http://www.citador.pt/pensar.php?op=7&author=26, em português. Permite o acesso a uma série de citações de Rousseau que fornecem dados interessantes na tentativa de compreender alguns fundamentos do seu pensamento.http://www.culturabrasil.org/rousseau.htm, em brasileiro.

Correcção do Teste

Grupo I
1.
a) Nome: Luís XIV
b) Regime político: Absolutismo
c) Sistema económico: Mercantilismo

2. O gosto da corte absolutista de Versalhes pela encenação do poder e pelo artifício, por espectáculos que associavam a representação à dança ou pelo «ballet de cour» levou ao desenvolvimento do teatro e ao aparecimento, desenvolvimento e difusão da ópera.
Grandes festas da corte (exemplos):
• as festas são manifestações da grandeza do anfitrião;
• a magnificência da corte absolutista materializava uma encenação aparatosa, que buscava a pompa e o artifício;
• em Versalhes, eram frequentes as representações de textos dançáveis, ou «ballet de cour», em que a acção dançada era construída sobre um poema e executada pela própria corte.
Gosto pelo espectáculo encenado (exemplos):
• edificação do Palais Royal, o primeiro teatro francês construído em espaço fechado, e surgimento da ópera de Versalhes;
• Luís XIV e a sua corte cultivaram o gosto por espectáculos que fundiam a representação e a dança, como a comédia-ballet, de Jean-Baptiste Lully e Molière: Le Bourgeois Gentilhomme;
• desenvolvimento do estudo das condições técnicas e acústicas;
• maior complexidade dos cenários.

3. A escultura de Bernini, ao captar o estado de alma da personagem com expressividade e dramatismo, pretendeu atrair os fiéis e estimular a piedade e o culto, segundo os princípios tridentinos.
Temática (exemplos):
• temas relacionados com a Bíblia (a figura de Cristo, a Sagrada Família); • temas marianos;
• temas relacionados com a vida e o culto dos santos; • representação do êxtase místico.
Expressão técnico-formal (exemplos):
• expressividade exacerbada pelo dramatismo do movimento;
• modelação agitada dos volumes; • contraste luz/sombra;
• contraste das texturas (liso/rugoso).
Intencionalidade (exemplos):
• captação da atenção do espectador pela expressão do «pathos»;
• estímulo à piedade e ao culto; • interiorização dos dogmas religiosos; • elevação do espírito.

Grupo II
1- A Morte da Virgem – Caravaggio; a Ronda da Noite – Rembrandt; o Rapto das Filhas de Leucipo - Rubens.

2- Caract.: deslumbramento, surpresa, exuberância, ânsia de novidade, contrastes, dramatismo fantasista; o movimento; cromatismo intenso, combinação de tons luminosos e zonas escuras do quadro; o pormenor; o realismo; a sobreposição das formas; utilização de formas dinâmicas e sinuosas; as principais temáticas (religiosa, profana, mitológica, retrato, cenas de género, natureza-morta); principais pintores e exemplos.

3- Fig. - Barroco Severo (séc. XVII); arq. João Nunes Tinoco e João Antunes Tinoco; ex. de obras; utilização plantas rectangulares e simples (gosto maneirista) e construções centradas e mais decoradas (anuncia o barroco). Fig. – Barroco Pleno (reinado de D. João V e D. José I); arquitectos: Nasoni e Ludovice; obras; mistura de elementos nacionais e estrangeiros; no Norte do país a arq. é mais decorativa, cenográfica e mais nacional.

Grupo III
1-A arte barroca mantendo as estruturas já existentes, usou uma nova gramática decorativa, seduzindo através dos sentidos. Dirigia-se ao grande público, destinando-se a persuadir e a estimular as emoções pelo movimento curvilíneo, real ou aparente, pela assimetria, pelo jogo ostentatório da luz e da sombra, pela busca do infinito, do teatral, do fantástico, em suma, pelo cenográfico. No barroco o que comanda é a emoção, a afectividade e o misticismo, que impuseram regras à arte aprisionando o crente pelos sentidos – visual, auditivo e olfactivo. No ofício religioso, o nevoeiro do incenso, a música dos órgãos e o rico colorido dos trajos, provocavam e excitavam os sentidos e o fervor da das multidões.

TESTE

Conteúdos:

Módulo 6 – A Cultura do Palco

»»»» Muitos palcos, um espectáculo
* 1618-1714. Do início da Guerra dos Trinta Anos ao final do reinado de Luís XIV.
* A Europa da Corte. A Corte nos palácios das cidades. A Corte junto às cidades. O modelo Versailles.
*O Rei Sol Luís XIV (1638-1643-1714). O Rei da afirmação do poder autocrático. Luís XIV e o investimento na Corte de Versailles. Um Rei, um cerimonial, uma França hegemónica na Europa.
* O palco. Os palcos: a Corte, a Igreja, a Academia. O palco do teatro e da ópera. O palco local de espectáculos efémeros.
*O Tratado de Utrecht (1713). A finalização das guerras. Um congresso de embaixadores e um tratado de paz. A nova geografia da Europa.
*A arquitectura barroca
*A escultura barroca
* A pintura barroca
* Em Portugal - arquitectura
*O Real Edifício de Mafra como expoente da eficácia da arquitectura barroca na materialização de uma ideia de poder.
* O sentido do Barroco: um gosto, mais que um estilo. Razão e emoção; gravidade e majestade. A sedução dos sentidos e a teatralidade.

COTAÇÕES:

GRUPO I
1. .................................. (5 + 5 + 5) ....... 15 pontos
2. ............................................................. 25 pontos
3. ............................................................. 40 pontos
80 pontos

GRUPO II
1. ......................... (5 + 5 + 5) ...............15 pontos
2. ........................................................... 40 pontos
3. ........................................................... 40 pontos
95 pontos

GRUPO III

1......................................................... 25 pontos


TOTAL .................................................... 200 pontos

VISITA DE ESTUDO

O Barroco em Mangualde

Prof. José Sidónio

Alunos: 11ºD e 12ºC da Esfa

Roteiro:

Palácio Condes de Anadia; Igreja da Misericórdia; Casa de D. Teresa; Câmara Municipal e Capela do Rebelo e Casa de Azurara.

O BARROCO

INTRODUÇÃO
No final do século XVI surgiu na Itália uma nova expressão artística, que se contrapunha ao maneirismo e as características remanescentes do Renascimento. O Barroco (palavra cujo significado tanto pode ser pérola irregular quanto mau gosto) pode ser considerado como uma forma de arte emocional e sensual, ao mesmo tempo em que se caracteriza pela monumentalidade das dimensões, opulência das formas e excesso de ornamentação.Essa grandiosidade é explicada pela situação histórica, marcada pela reação da Igreja Católica ao movimento protestante e ao mesmo tempo pelo desenvolvimento do regime absolutista. Dessa maneira temos uma arte diretamente comprometida com essa nova realidade, servindo como elemento de propaganda de seus valores.ser explicadas pelo fato de o barroco ter sido um tipo de expressão de cunho propagandista. Nascido em Roma a partir das formas do cinquecento renascentista, logo se diversificou em vários estilos paralelos, à medida que cada país europeu o adotava e o adaptava às suas própria características. Enquanto na Itália o barroco apresentou elementos mais "pesados", nos países Protestantes o estilo encontrou componentes mais amenos. Durante esse período as artes plásticas tiveram um desenvolvimento integrado; a arquitetura, principalmente das Igrejas, incorporaram os ornamentos da estatuária e da pintura.

ESCULTURA BARROCA
A aura barroca teve um importante papel no complemento da arquitetura, tanto na decoração interior como exterior, reforçando a emotividade e a grandiosidade das igrejas. Destaca-se principalmente as obras de Bernini, arquiteto e escultor que dedicou sua obra exclusivamente a projeção da Igreja Católica, na Itália. A principal característica de suas obras é o realismo, tendo-se a impressão de que estão vivas e que poderiam se movimentar. esculturas em mármore procuraram destacar as expressões faciais e as características individuais, cabelos, músculos, lábios, enfim as características específicas destoam nestas obras que procuram glorificar a religiosidade. Multiplicavam-se anjos e arcanjos, santos e virgens, deuses pagãos e heróis míticos, agitando-se nas águas das fontes e surgindo de seus nichos nas fachadas, quando não sustentavam uma viga ou faziam parte dos altares.

ARQUITECTURA BARROCA
Na arquitetura barroca, a expressão típica são as Igrejas, construídas em grande quantidade durante o movimento de Contra-Reforma. Rejeitando a simetria do renascimento, destacam o dinamismo e a imponência, reforçados pela emotividade conseguida através de meandros, elementos contorcidos e espirais, produzindo diferentes efeitos visuais, tanto nas fachadas quanto no desenho dos interiores. Quanto à arquitetura sacra, compõe-se de variados elementos que pretendem dar o efeito de intensa emoção e grandeza. O teto elevado e elaborado com elementos de escultura dão uma dimensão do infinito; as janelas permitem a penetração da luz de modo a destacar as principais esculturas; as colunas transmitem uma impressão de poder e de movimento.Igreja de Santa Inês, RomaQuanto à arquitetura palaciana, o palácio barroco era construído em três pavimentos. Os palácios, em vez de se concentrarem num só bloco cúbico, como os renascentistas, parecem estender-se sem limites sobre a paisagem, em várias alas, numa repetição interminável de colunas e janelas. A edificação mais representativa dessa época é o de Versalhes, manifestação messiânica das ambições absolutistas de Luís XIV, o Rei Sol, que pretendia, com essa obra, reunir ao seu redor - para desse modo debilitá-los - todos os nobres poderosos das cortes de seu país.

PINTURA BARROCA
As obras pictóricas barrocas tornaram-se instrumentos da Igreja, como meio de propaganda e ação. Isto não significa uma pintura apenas de santos e anjos, mas de um conjunto de elementos que definem a grandeza de Deus e de suas criações. Os temas favoritos devem ser procurados na Bíblia ou na mitologia greco-romana.É a época do hedonismo de Rubens, com seus quadros alegóricos de mulheres rechonchudas, lutando entre robustos guerreiros nus e expressivas feras. Também é a época dos sublimes retratos de Velázquez, do realismo de Murillo, do naturalismo de Caravaggio, da apoteose de Tiepolo, da dramaticidade de Rembrandt. Em suma, o barroco produziu grandes mestres que, embora trabalhando de acordo com fórmulas diferentes e buscando efeitos diferentes, tinham um ponto em comum: libertar-se da simetria e das composições geométricas, em favor da expressividade e do movimento.

O ESPIRITO DA ARTE BARROCA

A arte barroca vai ser utilizada pela Igreja para atrair fiéis, daí a construção de inúmeras igrejas revestidas no seu interior de mármores, talha, pintura em perspectiva e na qual eram criados ambientes que envolviam e persuadiam sensorialmente e emocionalmente os fiéis, sobretudo as massas populares. Para além da palavra dos sermões, o cheiro do insenso, a música dos órgãos e as vestes coloridas, contribuiram para este ambiente que a Contra-Reforma pretendia.

AS LINGUAGENS DA ARTE - A ESCULTURA

O Pensador, Rodin

* Analisa a escultura, quanto à tipologia, técnica, análise de superfície e de volumes e composição.

PORTFÓLIO PEDAGÓGICO

Estrutura do Pórtfólio Pedagógico

1- Identificação

. Nome; ano e turma; disciplina e escola

2- Índice

3- Plano de aprendizagem
. Itens estudados

4- Trabalhos realizados dentro de cada domínio de referência
. Na aula; de pesquisa…

5- Trabalhos de casa

6- Trabalhos de desempenho
. Testes, fichas, relatórios e respectivas correcções

7- Outros Trabalhos
. Trabalhos feitos por iniciativa própria ou recomendados

8- Reflexões
. Reflexão sobre a aprendizagem e auto-avaliação no final de cada período

9- Comentários

2008/2009

ANO LECTIVO 2008/2009

BOM TRABALHO PARA TODOS

BOAS FÉRIAS

BOAS FÉRIAS PARA TODOS!!!

TESTE

Teste de avaliação sumativa

Matriz

1 – Arquitectura (35 pontos)

2- Escultura (35 pontos)

3- Pintura (45 pontos)

4- Arte em Portugal (35 pontos)

5 e 6 - Pintura e Escultura - para escolher uma (30 pontos)

7- (20 pontos)

7.1-(5 pontos)
7.2-(5 pontos)
7.3-(5 pontos)
7.4-(5 pontos)

ARQUITECTURA GÓTICA

ESCULTURA GÓTICA

Depois de leres o texto, caracteriza sintecticamente a escultura gótica, não esquecendo a localização, temática, técnica, regras de representação...

A escultura gótica surge, numa primeira fase, intimamente associada à arquitectura das catedrais. No exterior do edifício são sobretudo as fachadas, principal e do transepto, nomeadamente os portais, os suportes para a implantação da escultura; à medida que se vão tornando mais complexas, também as empenas, rosáceas, tabernáculos dos arcobotantes e gárgulas das catedrais vão servir de suporte para a decoração escultórica. Quanto à estrutura do portal, ele é constituído pelo tímpano, arquivoltas, mainel e ombreiras ou jambas, substituídas por estátuas-coluna. No interior o trabalho escultórico é bem mais reduzido, e é sobretudo a partir do século XIV que a catedral passa a albergar mobiliário com relevo em talha (cadeirais do coro), estatuária devocional, altares e arcas tumulares. No seu conjunto, a escultura gótica pode ser agrupada em quatro tipologias: 1. estátuas-coluna, aplicada nas ombreiras do portal conferindo uma dimensão vertical ao pórtico, mas que progressivamente se vai autonomizando em relação ao seu suporte arquitectónico; 2. relevo escultórico, sobretudo no tímpano do portal; 3. escultura de vulto redondo, em especial estatuária de devoção, resultante da evolução das estátuas-coluna; 4. escultura funerária, ou seja, arcas tumulares e estátuas jacentes (que serão analisadas no post 11). Os temas mais comuns, sobretudo na fachada/portal, são os seguintes: - Cristo em Majestade, associado ao Tetramorfo; - Juízo Final; - Virgem em Majestade, Vida da Virgem e Nascimento de Cristo, um tema introduzido por influência da difusão do culto mariano desde os finais do século XII; - Episódios da vida dos santos patronos da respectiva igreja; associados a estes temas começa a ser mais comum a existência de relevos escultóricos e estatuária de carácter profano. Se a estátua-coluna e o relevo têm uma relação de dependência com o respectivo suporte arquitectónico, a partir do século XIV torna-se muito abundante a escultura de vulto redondo, estatuária de devoção associada às práticas da piedade individual e destinada a capelas ou oratórios privados; é sobretudo constituída por imagens da Virgem (Virgem com o Menino, Senhora do Ó ou Santas Mães, Pietà), de santos e crucifixos, e executada em materiais diversos, como a pedra, madeira, marfim, bronze, ouro e alabastro. Em termos de linguagem plástica, e no conjunto de toda a produção escultórica, podem ser defenidas três tendências principais: a) Idealismo (séculos XII-XIII), com figuras estilizadas e ausência de expressividade dos respectivos rostos (serenidade inexpressiva); hieratismo das estátuas-coluna: ausência de movimento, panejamentos rígidos acentuam a verticalidade, ausência de proporção anatómica; b) Naturalismo (2.ª metade do século XIII a meados do XIV), em que a estatuária ganha vida e movimento, com ancas pronunciadas e silhuetas em S para evidenciar dinamismo, acentua-se a expressão do rosto e surgem detalhes mais minuciosos no tratamento de cabelos e barbas, conferindo um carácter mais humano às personagens divinas representadas; c) Realismo (2.ª metade do século XIV e durante o século XV), época do triunfo da curva e contra-curva, ondulação excessiva, sobretudo no drapeamento, que acentua a expressividade das estátuas; preocupação absoluta de representação do real, que conduz à procura da verosimilhança no retrato; por influência da grande mortandade após 1348 e os progressos nos estudos anatómicos levam mesmo ao exagero de representar o corpo feito cadáver.

ARTE ROMÂNICA

Entende-se por românico o estilo artístico que se elaborou pouco a pouco desde fins do século X, firmou-se, com características próprias, no início do XI, e perdurou na Europa cristã até o início do século XIII, antecedendo ao gótico.
O termo "românico" foi criado, no século XIX, por arqueólogos que procuravam relacionar essas manifestações medievais à arte dos antigos romanos.

Por volta do início do século XI, o românico se definiu como estilo na Europa ocidental, favorecido pelo poder das ordens monásticas, pelas grandes peregrinações religiosas e pelo desenvolvimento do sistema feudal.
Tal estilo inspirou as produções da primeira arte tipicamente européia, pois suas manifestações se estenderam, com características semelhantes, de Portugal até o leste da Europa e das ilhas Britânicas à Itália.
Distingue-se o românico pela preocupação em distribuir os espaços de forma que a parte pudesse ser divisada em separado, mas sempre subordinada ao todo, assim como por um sentimento de superfície e textura, manifestado na adoção de materiais suntuosos, na decoração das superfícies, na riqueza do colorido e na diversidade das texturas.
O românico surgiu num momento em que a cristandade se encontrava empenhada em atividade criadora e expansionista, época de reformas monásticas e de consolidação tanto do poder espiritual quanto do temporal.
A uniformidade do românico deveu-se, em grande parte, à influência do mosteiro de Cluny, na França, que ditou novo modo de vida monástica e também, correspondendo a ele, uma nova concepção arquitetônica.
Igualmente importante, na difusão do estilo, foram as peregrinações religiosas, em especial a que se dirigia a Santiago de Compostela, na Espanha: as rotas seguidas transformaram-se em canais para propagação das novas formas por toda a cristandade européia.

Arquitectura
As construções românicas tiveram, como antecedentes, elementos da arquitetura eclética do renascimento carolíngio -- a arquitetura romana, a bizantina e as técnicas de edificação em madeira dos povos bárbaros -- embora os resultados decisivos e a coerência estilística só tenham sido alcançados em meados do século XI, principalmente na França.
Equipes de arquitetos, escultores e canteiros iam de um lugar para outro realizando obras, fato que contribuiu para dar ao românico sua unidade estilística, sem que isso impedisse o aparecimento de escolas locais que se formavam por onde os mestres e artesãos ambulantes, como se semeassem modelos, passavam com sua prática.
As edificações desse primeiro período eram feitas com pedras aparelhadas em blocos de formas regulares. Em alguns casos, a pedra era revestida de mármore de cores diferentes, como no românico italiano, exemplificado pelo conjunto que inclui, em Pisa, o batistério, a catedral, e a famosa torre inclinada.
A planta em cruz latina, de clara origem paleocristã, prevaleceu nas igrejas, que, além de torres, tinham de três a cinco naves terminadas por uma ou várias absides. Plantas de outros tipos, menos freqüentes, foram também adotadas, como a planta circular da ordem dos templários (igreja de Vera Cruz, em Segóvia, Espanha), a planta em cruz grega (Saint-Front de Périgueux, França, com forte influência bizantina), e a planta poligonal, seguida em igrejas da Alemanha (Ottmarsheim) e da Espanha (Torres del Río, em Navarra).
As igrejas românicas impunham-se pela aparência maciça, com a predominância de massas na horizontal. Suas paredes, grossas, tinham poucas aberturas, o que tornava os interiores escuros, compatíveis com um sentido de religiosidade concentrada e mística. Na cobertura, foi muito usada a abóbada de berço ou semicilíndrica, prolongada por arcos transversais de reforço.
A solução dava solidez à igreja, mas exigia apoios resistentes para o grande peso a ser sustentado. Assim, as descargas orientavam-se para as paredes largas que apoiavam o peso contínuo das abóbadas e seus arcos, os quais ainda se apoiavam sobre pilares sólidos. Pelo lado de fora, as paredes eram reforçadas por contrafortes, e a existência de naves laterais contribuía igualmente para a sustentação da obra.
Nas igrejas de peregrinação, as naves laterais possuíam um segundo andar, a tribuna, que se abria em arcadas para a nave central e servia também para alojar fiéis, de modo a ampliar o espaço útil do templo.
Entre as igrejas desse tipo, dotadas ainda de passagem em volta do altar central -- o deambulatório -- destacaram-se Saint-Sernin de Toulouse, na França, e Santiago de Compostela, na Espanha.
O arco mais utilizado foi o semicilíndrico, em geral ornamentado. Além das abóbadas de berço com arcos de reforço, usaram-se também abóbadas de arestas, constituídas pela interseção de duas abóbadas cilíndricas, com a conseqüente formação de arestas salientes para dentro do espaço coberto.
As cúpulas situavam-se no cruzeiro, ponto de união da nave central com a nave transversal ou transepto. Algumas igrejas, por influência bizantina, possuíam várias cúpulas, como as catedrais de Angoulême e Puy, na França.
Grande parte da ornamentação das igrejas se concentrava nos pórticos das fachadas, que resultavam da justaposição de vários arcos concêntricos apoiados em colunetas. Torres e campanários flanqueavam freqüentemente as fachadas.
No primeiro românico, dito lombardo por proceder da Lombardia, região da Itália, o exterior era ornamentado por pequenas arcadas cegas e por fileiras de colunas, como em San Clemente de Tahull e no mosteiro de Ripoll, na Catalunha.
A arquitetura monástica correspondeu bem de perto à das igrejas. O mosteiro-padrão constava de uma igreja, um claustro ou pátio em arcadas e uma série de dependências que se desenvolviam em torno dele, como a sala capitular, a biblioteca, o refeitório e os dormitórios.
Na formação do românico, a importância dos ensinamentos originários de Cluny, desde o ano 984, foi seguida, a partir de 1100, pelas lições provenientes do mosteiro de Cister, na Borgonha. O estilo cluniacense, de ornamentação profusa e luxuosa, com pinturas murais e muitas esculturas, contrastava com a sobriedade do cisterciense, muitas vezes com paredes nuas e colunas não decoradas. A arquitetura civil, mais rara que a religiosa, tomou forma na edificação de castelos e fortalezas.

Escultura
A ornamentação escultórica, freqüente nos pórticos das igrejas, era também costumeira nos capitéis das colunas. Correspondia, como a pintura, a uma intenção didática: narrava episódios religiosos com a finalidade de doutrinar os fiéis, em sua maioria iletrados, por meio de linguagem visual expressiva e clara.
A escultura e a pintura românicas não se propunham à representação fiel da natureza. Tendiam, antes, a uma generalização dos traços e ao expressionismo, por enfatizarem os estados psicológicos e por darem tratamento exagerado a certos aspectos da fé, de modo a realçar as representações de interesse doutrinário, como as do mal, do pecado e do inferno.
A figura humana era representada como arquétipo, e não com traços individualizados. Havia convenções para a conformação dos corpos, as roupagens e a escala das figuras, sendo maiores as que ocupavam posição superior na hierarquia (as imagens de Deus, da Virgem e dos principais santos). Essa mesma hierarquização prevaleceu na pintura.
A escultura estava intimamente associada à arquitetura. Suas figuras, assim, ora se alongavam nas colunas, ora decoravam os capitéis e arquivoltas, ora ainda compunham, nos tímpanos, cenas repletas de personagens.
Nos tímpanos, espaços semicirculares sobre as portas das igrejas, representavam-se as cenas de maior importância: o Todo-Poderoso -- o Pantocrator --, rodeado pelos símbolos dos evangelistas, ou o Juízo Final. Entre os exemplos mais significativos, destacam-se os de Moissac e Vézelay, na França, bem como os tímpanos de San Isidoro de León e da catedral de Santiago de Compostela, na Espanha.
Além de assuntos oriundos do Antigo e do Novo Testamentos, proliferaram na escultura os temas do cotidiano e os extraídos de fábulas, nos quais se alcançou elevado grau de fantasia, notável nos capitéis de claustros como o de Santo Domingo de Silos, na Espanha.
Com o tempo, a escultura românica tornou-se mais naturalista. Assim como o estilo depurado se mostrou menos rígido, menos propenso às convenções, a sujeição da escultura à arquitetura se mostrou menor, permitindo que as figuras ganhassem bastante autonomia em relação ao espaço.
Ocorreram evidentes progressos na transcrição da anatomia humana, na técnica do modelado e na expressão de sentimentos, à medida que a escultura românica distanciou-se da influência bizantina para atingir, no século XII, seu apogeu.

Pintura
Pouco restou da pintura mural românica, que em sua maioria decorava as abóbadas e as absides das igrejas. Distinguem-se duas escolas, de regiões da França, Itália, Alemanha e Espanha: a escola dos fundos claros, mais ligada à tradição carolíngia; e a escola dos fundos azuis, influenciada pela miniatura e o mosaico bizantinos.
Os murais de fundo claro, em geral amarelo, valorizavam particularmente o desenho -- em Saint-Savin-sur-Gartempe --, enquanto os de fundo azul sobressaíam pela riqueza das roupagens cheias de pedrarias -- em Berzé-la-Ville --, lembrando a arte do mosaico.
Vários murais de igrejas dos Pireneus, como San Feliú de Guixols, San Clemente de Tahull e San Cugat de Valles, foram removidos dos locais de origem para o acervo do Museu de Arte da Catalunha, em Barcelona, um dos mais completos sobre o período.
No final do século XII, quando começou a se firmar na Alemanha e na França, a pintura mural românica foi rapidamente suplantada, como decoração iconográfica, pelos vitrais góticos.
A iluminura ou decoração de manuscritos foi, dentro das artes da cor, a mais importante do período românico. Nos séculos X e XI recebeu a influência de Bizâncio, mas guardou reminiscências da arte bárbara em suas folhagens e animais estilizados, de entrelaçados caprichosos, sem começo nem fim, e de ricas cores entre as quais o ouro era usado com abundância.

ARQUITECTURA ROMÂNICA

Igreja de Saint-Sernin (séc. XI)

* Descreve a igreja românica, referindo o significado dos seus diversos espaços e as suas características funcionais e físicas.

ARTE BIZANTINA

* Enuncia as características fundamentais da arquitectura bizantina,
de que Santa Sofia é o protótipo